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LA
ARQUITECTURA GÓTICA. GÓTICO FRANCIA. En
Francia es donde el gótico nace y es la forma francesa la que se reparte por
toda Europa, principalmente a causa de que es en Francia donde residen las
órdenes monásticas más activas. Las primeras y más brillantes manifestaciones
del gótico en Francia, se pueden señalar citando la famosa NOTRE DAME de PARIS,
construida entre 1193 y 1235. Sus características son macicez y aperturas de
dimensiones reducidas. Seguidamente se puede citar la catedral de Chartres
terminada en 1260. En las entradas presenta las características del gótico de
ese segundo periodo. La catedral Amiens terminada en 1288 pertenece a un periodo
de mayor riqueza de ligereza constructiva; Las líneas adquieren una movilidad
extraordinaria, las molduras, de una imaginación exuberante, y las cesterías
aparecen con su profusa ornamentación. Algunos tramos de bóveda presentan una
complejidad en nervaduras que preludian lo que será el gótico en el siglo XIV.
La catedral de Ruan, terminada en 1415, el arte gótico ha ido tomando todas las
características de lo que será el gótico flamígero. Las construcciones civiles
van adquiriendo gran auge en Francia, y los Ayuntamientos o determinadas casas
burguesas adoptan el estilo adaptándose en las necesidades sociales de los
mismos.
GÓTICO INGLATERRA. La influencia gótica francesa en la
arquitectura inglesa es evidente, ya que después de la conquista de Inglaterra
por los duques de Normandía todo lo francés encontró en Inglaterra terreno
abandonado. Se puede señalar como la primera manifestación del gótico francés la
iglesia de la abadía de Westminster, en Londres; los ingleses llaman a éste
primer gótico como primitivo. Y posteriormente cabe señalar el estilo señalado “
Gótico decorado”. Una de sus características es la sustitución de las molduras
de los pilares por columnitas y las arquerías ciegas guarnecidas de calados en
los triforios. Las arquerías de las bóvedas van tomando la forma de estrellas y
complicadísimas como estrellas como telarañas que cubren todo el cuadrilátero.
Un tercer periodo que comprende el S. XIV se le conoce con el nombre de
perpendicular o rectilíneo en el que las bóvedas adquieren una complejidad
extremada y el sistema estrellado se aplica en toda su intensidad. Desaparece el
triforio, además en éste periodo las torres toman un desarrollo que no tiene
nada que ver con el francés, la ornamentación es eminentemente geométrica.
Finalmente cabe señalar el gótico de la decadencia o tudor en el S. XV. Las
columnas son haces de arcos que luego se extienden a lo largo de la bóveda o
bien se convierte en ésta en techo plano recorrido por nervaduras circulares.
Hacia finales del S. XIV y durante el S, XV el gótico invade las construcciones
civiles, construyéndose casas particulares o edificios públicos, inspirados en
éstas técnicas y procedimientos. *Triforio: Galería que rodea el interior
de una iglesia.
GÓTICO ALEMANIA, BÉLGICA Y HOLANDA. CARACTERÍSTICAS
GENERALES
Éste estilo que había empezado como necesidad constructiva de grandes espacios
para reunir a las gentes para adorar a Dios se ha convertido en un estilo civil
que se adapta después de ciertas correcciones a las necesidades vitales de la
época.
ALEMANIA. Las naves son altísimas predominando la
impresión de verticalidad, grandes ventanas, y torres terminadas en agujas
finalmente apuntadas que dan una impresión de ligereza.. Las molduras que
transmiten las presiones, adosadas a los muros y después a los pilares llegan
hasta el suelo después de recorrer distancias inmensas dando una sensación de
gracilidad. La ornamentación geométrica es de distinto signo en Inglaterra,
predominando el calado de la piedra, en todos los lugares donde es posible
principalmente en las fachadas, arbotantes y contrafuertes.
BÉLGICA Y HOLANDA. En Bélgica el gótico sigue las
fluctuaciones de las formas francesas y alemanas. Francesas en lo estructural y
alemanas en lo ornamental. La arquitectura civil también tiene en Bélgica un
gran desarrollo. En Holanda aunque en un principio el gótico es menos abundante,
irá tomando poco a poco carta de nacionalidad y producirá bellos ejemplos llenos
de delicadeza.
GÓTICO EN ESPAÑA E ITALIA. CARACTERÍSTICAS
GENERALES
En España e Italia el gótico no presentaba el carácter de una necesidad como los
demás países. La luz es muy intensa en ambos países y las estructuras románicas
aligeradas de su pesada construcción eran suficientes para las necesidades
climáticas en ambos países.
ITALIA. En Italia el gótico sufrió la saludable
influencia de aligerar los muros y la estructura en general. Porque no había la
necesidad de trepanar demasiado los muros y recargar las construcciones de
contrafuertes. Una característica del gótico italiano es el elemento decorativo
y cromático aprovechando el color natural de los materiales de construcción. Se
toma la forma gótica exterior pero no se aplican en elementos estructurales por
tanto desaparecen los efectos de verticalidad y dinamicidad. Italia alterna
constantemente el arco de medio punto con la ojiva.
ESPAÑA. En España debido a influencias culturales
francesas o borgoñanas, en número de construcciones góticas es enorme,
aplicándose al pie de la letra los cánones extranjeros, lo que produce edificios
como las catedrales de León o de Burgos con iluminación excesiva y
sobrecargamiento de ventanales completamente innecesarios. En Castilla una
determinado evolución del Gótico que habría podido conducir a un estilo nacional
que el lo que podríamos llamar gótico florido o isabelino. Leonardo da Vinci
(1452-1519). Pintor, dibujante, escultor, ingeniero e inventor italiano. Su vida
artística se puede dividir en cuatro períodos: florentino (1452-82), milanés
(1483-99), vida errante (1500-16) y el último, que abarca tres años, exilio
voluntario en Francia, en la corte de Francisco I. Hijo de Ser Piero, notario de
la Señoría de Florencia, hacia quien lo encomendó al taller de Verrocchio, cuyas
enseñanzas compartió con Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Pietro Perugino.
En este período, la mentalidad de Leonardo se desarrolla en contacto con la
cultura humanística florentina, de la que asimila ideas pitagóricas y una
especie de misticismo cósmico, al mismo tiempo que se acentúa su sentimiento de
soledad. En 1483 se encuentra en Milán al servicio del duque Ludovico el Moro;
quien le empleó como pintor, escultor, ingeniero y organizador de sus fiestas;
además de que le encargó una estatua ecuestre de su padre, Francesco Sforza, que
Leonardo no llegaría a fundir. Mientras se dedicaba a sus trabajos de
hidráulica, ingeniería y escultura, pintó dos grandes obras: en la Virgen de las
Rocas (1483-93, Louvre), encargada a Leonardo y a los hermanos Ambrosio y
Evangelista De Predis. en esta obra, la fusión pictórica entre la figura y el
ambiente hacen de ella una muestra de la poesía figurativa de Leonardo.
La segunda gran obra de su período milanés es: la Santa Cena,
en la que abandona el esquema geométrico de Castagno, supliéndolo por una nueva
euritmia bramantesca, en una perspectiva arquitectónica casi maciza. Para
Ludovico el Moro pinta, en 1498, dos salas del castillo sforzesco. En la misma
época preparaba trabajos sobre mecánica, perspectiva y anatomía. Su obra
permaneció ignorada hasta 1651, en que se publicó su Trattato della pittura.
Permaneció en Milán hasta 1500, es decir, hasta la caída del ducado de Milán;
después se trasladó a Mantua, donde retrató a Isabel de Este; más tarde viajó a
Venecia y, finalmente, volvió a Florencia. En la capital toscana, inicia una
nueva era y pinta dos obras representativas, del arte leonardesco: Santa Ana y
la Gioconda. Hacia 1506 abandona Florencia y se traslada a Milán, donde
permanece como huésped del gobernador francés, Charles d'Amboise durante 7 años,
y después viaja a Roma, donde permanece 3 años hasta que es invitado a Francia
por Francisco I. Por su universalismo y naturalismo, Leonardo transforma el
orden gótico y lo supera por su concepción de la vida orgánica, y a la
perspectiva lineal añade la perspectiva atmosférica. En sus escritos elaboró
teorías científicas de la perspectiva, de la anatomía, del color y de las
sombras. La visión lumínica de Leonardo contrasta con el riguroso plasticismo de
la escuela toscana. Su gran innovación pictórica es el sfumato, la obtención de
nuevos efectos de fluidez de las formas en el espacio con veladuras en
profundidad, en una realidad nueva, más poética; así, al sistema florentino de
contrastes en claroscuro, opone Leonardo la asociación de los colores contiguos.
Los dibujos proporcionan una base concreta que le lleva a multiplicar sus
descubrimientos. En la original esquematización de algunos de ellos muestra
claramente su interés por la mecánica del equilibrio y del movimiento de los
cuerpos.
Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti) (1475-1564). Escultor, arquitecto,
pintor y poeta italiano. Aunque él mismo se consideró fundamentalmente escultor,
en pintura y arquitectura se reveló como uno de los genios de todos los tiempos,
dejando una obra polifacética, pero de unidad y coherencia extraordinarias.
Nació en una familia florentina pasando ahí su juventud hasta que en 1488 su
facilidad para el dibujo lo llevó al taller de Ghirlandaio. Allí, permaneció un
año, hasta que Lorenzo el Magnífico lo adoptó como ahijado, y le ayudó a
formarse como escultor en el jardín de los Medici. En 1496 fue llamado a Roma,
donde realizó el Baco (Florencia) y la Pietà (Basílica de San Pedro, Roma), que
marcaron el principio de su fama, y le proporcionaron encargos como estatuas
para la catedral de Siena, el David (en la escalinata del Palacio della Signoria,
Florencia). El medallón de mármol de La Virgen y el Niño y la tabla redonda de
La Sagrada Familia, de proporciones geométricas hábilmente calculadas, cuyo
centro de interés es la Virgen. Tiempo después, el papa Julio II le encargó el
mausoleo, que debía figurar en el ábside de la nueva basílica, pero el papa
olvidando su encargo, le propuso la monumental decoración de la Capilla Sixtina,
pero siendo desconocedor de la técnica del fresco, Miguel Ángel preparó la
capilla, para que diversos artistas se encargaran de realizarlos, pero
descontento del resultado, se encerró a solas y en veinte meses lo concluyó,
desmontando rápidamente el andamiaje para no verse obligado a añadir ropajes y
dorados. La Capilla Sixtina revela un concepto nuevo de la pintura: el abandono
de la elegancia y gracia del arte florentino para centrarse en un ideal
abstracto del ser humano en toda su plenitud. Las diferentes escenas "Dios
separando luz y tinieblas, Creación de la Luna y el Sol, Creación de Adán,
Creación de Eva, Expulsión del paraíso, Diluvio universal, etc", están
combinadas con un dominio de la plástica nunca hasta entonces alcanzado.
Una vez terminada la Capilla Sixtina en tan breve plazo,
Julio II le propuso siguiera con el mausoleo; pero falleció este papa y León X,
que le sucedió, encargó a Miguel Ángel su primer trabajo arquitectónico: la
fachada de San Lorenzo de Florencia y el sepulcro de los Medici (1534).
Claramente influido por Brunelleschi, aportó un interesante juego de luz y
sombra en los salientes de aquella fachada, que presagiaba el barroco. En 1535,
Paulo III le nombró pintor, escultor y arquitecto de Palacio y le encargó los
frescos de la capilla Paulina, y en 1546 que muero Antonio da Sangallo, Miguel
Ángel le sucedió en la fábrica del Palacio Farnesio y en 1547 fue nombrado
arquitecto mayor de la basílica de San Pedro. A partir de este momento, la
arquitectura se convirtió en su principal actividad, y concibió la basílica a
modo de grandioso monumento y propuso de nuevo la planta de cruz griega sugerida
por Bramante, coronada por una ambiciosa cúpula. Este puesto de arquitecto mayor
le trajo una sobrecargada de trabajos importantes: nicho del patio del Belvedere,
fachada del Palacio de Julio III, grupo escultórico de la Pietà de Florencia, la
Porta Pia, iglesia de Santa Maria degli Angelli. Se podría decir que su
inspiración la halló en el diseño, que le permitió expresar sus impresiones
plásticas y sus estudios de desnudos, con esquemática sencillez. También tuvo
gran afición a la poesía y a escritura. (Colaborado por:
Raul Nolasco Kipes, Argentina ) |
